Susanna Koeberle : C’est la première fois que vous développez une pièce de théâtre exclusivement composée de personnages féminins. Pourquoi ce choix ?
Martin Zimmermann : Aborder les thèmes de la hiérarchie et de la résistance à travers un prisme féminin offre une perspective moins influencée par les concepts et les stéréotypes traditionnels, souvent imprégnés de visions masculines. Cette approche permet d’aborder ces thèmes de manière plus nuancée et libérée des clichés. (…) Avec les quatre interprètes de différents âges, nous avons exploré les tabous qui entourent la naissance, la mort, la sexualité et le genre, ainsi que les inégalités persistantes.
SK : Le titre de la pièce, Louise, rend hommage à l’artiste Louise Bourgeois. Quel rôle joue son œuvre dans votre processus créatif ?
MZ : D’une certaine manière, notre pièce est un dialogue avec elle. Louise Bourgeois était une exploratrice incessante — non seulement des sculptures et des matériaux, mais aussi d’elle-même. Notre Louise partage ce même esprit. Comme Bourgeois, nous travaillons de l’intérieur vers l’extérieur. Comme elle, nous cherchons la vérité. Une telle quête demande de pénétrer en profondeur, de retirer des couches, d’être agressif et désordonné, mais aussi intuitif. Pour elle, le medium était la pierre ; pour nous, ce sont les corps sur scène. Elle percevait ses sculptures comme empreintes d’une certaine magie, capables de bannir les démons intérieurs et extérieurs. Elle appelait cela un exorcisme. Bourgeois transposait des fragments et des épisodes entiers de sa vie dans ses oeuvres, oscillant entre l’abstrait et le concret, comme des résidus de rêves. Lorsqu’une idée devenait troublante, écœurante ou répulsive lors de sa réalisation, elle l’acceptait. Et si elle prenait une tournure absurde ou humoristique, elle s’en réjouissait, comme si elle avait déjoué la vie elle-même. Nous partageons cette attitude.
SK : Quelle importance accordez-vous à l’humour ?
MZ : Mon parcours dans le cirque m’a beaucoup marqué, en particulier la figure du clown. Après tout, nous sommes tous des clowns. Nous sommes des êtres tragicomiques et excentriques, avec des démons et des émotions sombres, étranges et abstraites — mais aussi avec une envie irrépressible de rire de l’absurde. Nous ne voulons pas toujours nous prendre trop au sérieux et préférons faire danser le monde, même dans ses moments les plus chaotiques. Ce qui m’intéresse, c’est ce que cette figure complexe exige des artistes. Pour créer quelque chose de drôle, il faut un cadre, un contexte. Il faut aussi du rythme et une chorégraphie précise. Ce qui semble fluide sur scène est en réalité le fruit d’un travail acharné et rigoureux. C’est dans cet effort que des moments magiques peuvent émerger, où la vulnérabilité humaine transparaît. En fin de compte, peut-être que le rire peut vraiment nous sauver.

Bérengère Bodin est danseuse, chorégraphe et metteuse en scène, formée au Centre National de Danse Contemporaine d’Angers. Elle a travaillé avec des compagnies de renommée internationale, dont celles de Raimund Hoghe, Joëlle Bouvier, Robyn Orlin, Christoph Marthaler, Lisi Estaras et Alain Platel. En parallèle, elle développe ses propres créations, parmi lesquelles Je connais des gens qui sont morts, Une catastrophe fantastique I et II, Another Sacre ou encore Une île. Sa nouvelle pièce, Like the full moon says, en duo avec Ivan Fatjo, est prévue pour 2026. Aimant croiser les arts, elle collabore régulièrement comme chorégraphe ou assistante sur divers projets, et incarne le rôle principal dans le premier film d’Alain Platel, Why we fight (2021).

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Rosalba Torres Guerrero commence sa carrière avec Philippe Decouflé (Décodex) puis rejoint le Deutsches Nationaltheater de Weimar sous la direction d’Ismaël Ivo. De 1997 à 2005, elle danse avec la compagnie Rosas d’Anne Teresa de Keersmaecker, notamment dans Drumming et Rain. Elle poursuit avec Les ballets C de la B d’Alain Platel, participant à des créations marquantes comme VSPRS et C(h)œurs. Parallèlement, elle collabore avec des metteurs en scène prestigieux tels que Karin Beier et Krzysztof Warlikowski, et signe son premier projet personnel Pénombre en 2011. Depuis 2014, avec Koen Augustijnen et leur compagnie Siamese, elle crée des pièces innovantes comme Badke, Lamenta et Amours aveugles.

Methinee Wongtrakoon est une acrobate, danseuse et chorégraphe suédoise, première artiste de cirque à recevoir le prestigieux Bernadotte Art Award. Elle débute à neuf ans dans le groupe des « enfants Furuvik », puis poursuit sa formation au lycée du cirque de Gävle et au Cirkus Cirkör, où elle développe un langage corporel singulier mêlant contorsion, acrobatie et danse. Elle collabore avec de nombreux ensembles de cirque, de danse et de théâtre, dont le Dramaten, l’Opéra royal de Suède et le théâtre municipal de Malmö. Avec Circus Cirkör, elle se produit à l’international et retrouve ensuite Martin Zimmermann sur scène après Hans was Heiri. Sa présence scénique, marquée par une souplesse extrême et une virtuosité sauvage, fait d’elle une figure marquante du cirque contemporain.

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Marianna de Sanctis fait du hula-hoop son langage artistique. Formée au FLIC en Italie et au LIDO en France, elle développe un style singulier qui dépasse le simple cerceau. Elle collabore avec des compagnies telles que Gandini, La Barque Acide, Cie Nadère Arts Vivants, ainsi qu’avec Martin Zimmermann et Cie d’Elles. Présente dans de nombreux festivals et cabarets internationaux, elle alterne entre comédie et poésie, tout en menant des projets personnels comme Mother.Woman.Artist. et HoopX8. Artiste, pédagogue et directrice artistique, elle accompagne d’autres créateurs et relève chaque jour le défi d’être artiste, femme et mère.